O Nascimento de um Gênio do Renascimento

Há poucos dias eu estava caminhando na Rua e vi um rapaz com a perna tatuada, e a tatuagem era nada menos do que O Nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli. Este rapaz tatuado mostrou ser fã do artista, ao ponto de viver para o resto da vida com a pele daquele modo. Sandro foi uma das maiores estrelas do Renascimento, em quadros que trazem um frescor incrível, nos ventos de renovação que varriam o Mundo Ocidental da época, numa Europa navegadora. Outra memória que tenho, só que mais remota, é a de uma coleção de livros chamada “Gênios da Pintura”, de propriedade da biblioteca dos meus pais, e na coleção me deparei pela primeira vez com o encantador Sandro, e fiquei hipnotizado pelos tesouros renascentistas. Os textos e análises semióticas a seguir são inteiramente meus.

Acima, A Anunciação de Cestelo, 1490. O anjo se curva perante a majestade de Maria. O anjo segura um ramo de flores, simbolizando a feminilidade, a sensualidade da Natureza, a força da Vida, vida esta que, a partir do momento da Anunciação, toma corpo de forma imaculada dentro do útero virgem de Maria. A virgindade faz metáfora com a concepção divina, no sentido espírita de que Deus nos faz do nada, de modo totalmente espiritual, sem a interferência da Matéria, pois pensamento é tudo; matéria é nada. É claro que, na história real, Jesus foi um homem de carne e osso, e foi um feto que resultou da junção de um óvulo com um espermatozoide. A Imaculada Conceição é carregada de simbologia, simbolizando o aspecto metafísico do espírito, o qual habita feliz a Dimensão Metafísica, para onde vamos quando desencarnamos. A virgindade representa a ausência de agressividade, do modo como a noiva pura e casta, toda de branco, é entregue ao noivo na igreja. A janela aberta dá um respiro, um sopro de renovação, e Maria diz “sim” ao Anjo – Maria não oferece resistência e cede passivamente, do modo machista como uma mulher não pode ter o controle sobre sua própria vida. Na cena, vemos um personagem marcante – uma árvore. Ela representa a Vida, no menino que começa a ser gerado no interior intocado de Maria. A árvore é a força da Natureza, pulsando e gerando frutos. Ao fundo, vemos um reino muito bonito, o Reino dos Céus, no qual reina a Ordem e a Paz, na promessa de um mundo melhor do que a Dimensão Física, a qual é caótica e aguerrida, longe do útero limpo de Maria – a Virgindade representa a limpeza de Tao, atentando-se ao essencial, ao minimalista indispensável, visto que a cor branca simboliza a limpeza, do modo como tomar banho, lavar uma roupa e limpar uma casa é, também, uma faxina psicológica. No chão vemos a angulação de perspectiva, recurso muito marcante no Renascimento. Tanto o anjo quanto Maria vestem-se de forma luxuosa. Maria é bela, uma deusa, e suas feições transmitem a ideia de imaculação. Ambos têm aureolas que denotam divindade, no plano de Tao sendo colocado em prática, projetando colocar no Mundo um espírito absolutamente aprimorado e benéfico – Jesus. Ao fundo na janela, um rio corre sinuoso, sensual como a Serpente do Éden, no pecado capital da Luxúria. O rio é o curso da Vida, sempre fluindo, nunca se estagnado nem se esgotando. É a vital água, essencial, insípida, incolor e inodora, assim como Maria, pura como um cristal translúcido, leve, elevado. A janela aberta é a Vida respirando sobre a cena da Anunciação, e parece ser um fresco dia de Primavera. Maria e o anjo vestem um véu extremamente fino, vaporoso, um tecido fino demais para existir na Dimensão Física. A leveza do véu é a leveza de uma mente virtuosa, nobre, nunca pesando, nunca causando incômodo, nunca sufocando a Vida. Embaixo de seu manto hierático, Maria revela um vestido de cor rosada, na cor do interior uterino, da Feminilidade. Ironicamente, podemos ver que a barriga de Maria já está com aspecto inchado, ou seja, Jesus já está sendo gerado e está a caminho do Mundo, mudando este para sempre. O anjo e Maria quase se tocam, e têm dedos delicados e aristocráticos, finos, polidos. Ao lado de Maria, um livro, representando as mulheres letradas da Aristocracia, numa época em que o Conhecimento não era amplamente difundido. As paredes da cena são de um cinza escuro, discreto, na discrição da própria Maria. E as flores do anjo se abrem para o Mundo, espalhando deslumbrante perfume, do modo como Tao é fino.

Acima, A Primavera, 1482. Esta é uma das cenas mais deslumbrantes do Renascimento, fazendo metáfora: o frescor da Primavera junto ao frescor renascentista. Grávida, representando a Vida, a Primavera está no centro, no nervo da cena, como Nossa Senhora. Acima, um querubim se preparando para atirar a Flecha do Amor, espalhando Romantismo no quadro, e o ato de se apaixonar traz todo o frescor primaveril, numa sensação deliciosa. Aqui, a Vida pulsa irrefreavelmente, e as flores trazem essa força implacável. Podemos ouvir “A Primavera” de Vivaldi. Vemos quatro donzelas quase nuas, vestindo um vaporoso vestido translúcido, no culto renascentista ao Corpo Humano, no Antropocentrismo, num momento em que o Vaticano não mais podia dominar culturalmente a Europa. Na extrema esquerda, o rapaz colhe um fruto, na sensualidade da Maçã do Éden. O rapaz também está quase nu, e porta uma agressiva espada, a qual representa o Pensamento Racional, do modo como o Paganismo Grego gerou gênios da Filosofia, e a Antiguidade Clássica, morta havia muitos séculos, retoma a Europa de assalto. O querubim mira em uma das donzelas, talvez querendo fazer com que ela se apaixone pelo rapaz, cuja espada é o senso competitivo de Botticelli, havendo em Florença uma competição atroz para ver quem seria o maior renascentista do Mundo. A donzela na extrema direita tem ramos de flores saindo de sua boca, na fertilidade da imaginação artística, na criatividade sempre germinante de Botticelli. Ao lado desta donzela, uma mulher totalmente estampada de flores, na beleza da vida que renasce após o Inverno gélido e desolador – é o milagre da Ressurreição de Jesus, que desencarnou e foi para um plano onde é sempre Primavera, sempre fresco e novo. É um quadro de predominância feminina, e Botticelli dá protagonismo ao Yin. Ao contrário do rapaz, as moças estão de pés descalços, pisando em um chão repleto de flores silvestres, flores que não tiveram que ser plantadas pelo Homem para florescer: elas simplesmente aparecem nesta época do ano, no milagre da Vida. A moça florada também está grávida, como se quisesse concorrer com a Virgem Maria, na junção renascentista entre sacro e profano; entre católico e pagão. Gordinho, o querubim é o Amor apaixonado, entrelaçando pessoas, na Divina Providência, que faz com que as pessoas passem umas pela vida das outras, nas teias de perfeição de Tao. Neste quadro, o fundo é um tanto sombrio, para fazer contraste com as formas humanas, que são mais claras, num jogo capcioso entre claro e escuro. A única figura humana escura do quadro está na extrema direita, repreendendo a moça de cuja boca saem involuntárias flores. Botticelli nos traz rostos humanos de beleza atemporal. As barrigas volumosas das donzelas são como ovos de Páscoa, no fascínio da Vida, que surge aparentemente do nada. Bem ao fundo, um céu límpido e azul. Vemos um Botticelli em seu estúdio, pintando a partir de modelos humanos. Na cena, a flecha do cupido está pronta para “perturbar” a Paz e a Inocência, visto que o rapaz e as três donzelas ao lado não parecem estar ainda apaixonados. E a Virgem ao centro rege a cena, mas nunca fazendo com que a Igreja impeça os ventos de renovação renascentista. A flecha do cupido e a espada do rapaz são um só, numa pitada de agressividade em um quadro tão feminino, perfumado e harmônico. A flecha é a Maçã do Éden, pronta para desvirginar, numa pitada necessária de agressividade, sendo esta ausente antes da maçã da inocente Branca de Neve ser mordida, pois temos em Jesus Cristo uma certa agressividade na hora de tecer críticas à Sociedade e ao Homem, do modo como Tao também critica amplamente os vícios e defeitos do Ser Humano.

Acima, O Nascimento de Vênus, 1486. Certa vez, no Cinema, a deslumbrante atriz Uma Thurman encarnou esta Vênus de Botticelli, e anjos vieram e vestiram-na. Aqui, temos toda uma simbologia, pois o Mar é associado ao sexo feminino. O cheiro de oceano é agregado ao sexo de Vênus, que se mostra muito tímida, uma dama recatada, cobrindo o sexo com os longos cabelos e cobrindo também um dos seios. Temos aqui uma Gisele, com seus cabelos ondulados seguindo as ondas do mar, no Calçadão de Ipanema, com os fios balançando docemente na brisa da orla, na sensação de liberdade que a beira da praia traz, com o ar puro vindo das entranhas oceânicas. Vênus nasce em uma concha como se fosse uma pérola, e revela-se uma virgem intocada, nascida pura d’água, limpa, perfumada. A concha aberta traz uma revelação, e a beleza é revelada, antes oculta e secreta. Seus cabelos estão um tanto revoltos sob o trabalho do Senhor dos Ventos à esquerda, que sopra como o sopro de vida que traz Vênus ao Mundo. Seus cabelos nunca foram cortados na vida, e é como uma Rapunzel, passiva, pronta para ser salva e desposada por um homem nobre e paladino, armado com uma agressiva espada. O quadro todo faz uma ode à umidade, como água correndo da torneira, sempre gerando vida, hidratando os seres vivos, no fascínio da Água, o solvente universal. Vênus nasce como uma estrela, anunciando a noite e o dia, sempre precursora, brilhando límpida, clara, preciosa, cristalina, assim como a água. Sobre Vênus caem flores perfumadas, glorificando a deusa, num quadro sem alusões religiosas, apesar desta Vênus ser virgem como Maria, como uma Iemanjá nua. O olhar de Vênus é triste e desatento, nunca tendo consciência do fascínio que exerce, sempre humilde, sempre brilhando inconscientemente, hipnotizando a inspiração de Botticelli. Aqui, temos um brinde à Feminilidade, à Mulher, numa Vênus capaz de desarmar até os homens mais agressivos, como King Kong e Hulk. As flores caindo são a Glória, e a deusa revela uma pele clara, quase alva, fazendo metáfora com a Virgindade. À direita, uma aia trata de recatar a deusa, buscando cobri-la com um manto avermelhado de estampa florada, assim como o recatado traje da aia é floreado também, num brinde à Identidade Feminina. As flores nada mais são do que os órgãos sexuais das plantas, ou seja, neste quadro temos uma menção sexual implícita, mas forte. Os seios de Vênus são proporcionais – nem grandes; nem pequenos. O manto avermelhado é o sangue pulsante, que bombeia vida pelo corpo, no encantamento de uma mulher vestida de vermelho. Todos no quadro estão de pés descalços, mostrando a simplicidade artística, pois, para o artista, muitos aspectos mundanos são desprezíveis. É claro que aqui podemos ouvir o barulho à beiramar, com o som incessante de ondas respirando, vivendo, indo e vindo, como no coito sexual. Este mar está desabitado, e não vemos ao fundo sequer uma única caravela, numa época em que as Navegações bombavam. Este mar é doce e plácido, sedutor por sua suavidade, e temos em Vênus o toque de seda, suave, feminino. Ao fundo, um céu limpo e plácido, com orlas sendo beijadas pela água. Atrás da aia, árvores escurecidas, contrastando com a clareza da aia e de Vênus. Esta Vênus é uma menina que sempre foi criada para ser passiva, uma dama, nunca desenvolvendo agressividade, projetando esta em outrem, em homens. A beleza da estrela venusiana é associada ao feminino, enquanto a estrela rubra, da cor do sangue, é associada a Marte, o agressivo deus da Guerra, derramando sangue em combate, ao contrário de Vênus, que só produz sangue na Menstruação, no mistério dos ciclos lunares. Num detalhe muito discreto, no canto inferior esquerdo do quadro, alguns ramos de vegetação praiana, na geração da Vida, do modo como a Vida nasceu nos Oceanos, dentro d’água. Vênus traz os mistérios da Vida, enigmática, nunca se revelando por total. Este quadro traz, ao mesmo tempo, exibição e recato, numa Europa que começara a lidar naturalmente com a Nudez – eram ventos de renovação. Vênus nasce assim como o próprio Botticelli nasce como astro renascentista, numa metalinguagem: estrela falando de estrela. E a mulher atrás do Senhor dos Ventos está extasiada com Vênus, contemplando toda a beleza da deusa, querendo um dia ser como Vênus, do mesmo modo como, no ano 2000, Gisele nasce das profundezas e é revelada ao Mundo – o Ser Humano é atemporal e universal.

Acima, Vênus e Marte, 1483. Aqui, temos uma mensagem clara: o Yang rende-se ao Yin. O agressivo Marte está entorpecido, adormecido, dormindo deliciosamente ao som dos diabretes, os quase debocham de Marte, vestindo seu elmo e portando sua lança fálica. Marte aqui tem um corpo de atleta no auge de sua forma, quase nu, enquanto Vênus está devidamente vestida e recatada, expondo de si mesma apenas um pé, mãos, pulsos, rosto e parte do peito, num vestido comportado, o qual marca discretamente o formato dos seios. Marte está em um sono muito, muito profundo, relaxando, deixando de lago a tensa agressividade, tão necessária (e capital) no Campo de Batalha. Vemos aqui quatro diabretes, maliciosos, e esses diabinhos, além de ter cornos, têm os membros inferiores em forma animal, sugerindo sexo, numa Vênus que parece ter um cuidado materno, nunca tendo intenções sexuais para com a Estrela da Guerra. Esta Vênus está tranquila, serena, e Marte é como se fosse um feto, dormindo incessantemente dentro de um útero, absolutamente dependente da mãe, no vínculo do Cordão Umbilical, o qual é aniquilado no parto, e dois seres, que eram um só, separam-se no trauma da vinda ao Mundo Físico. Vênus e Marte repousam sobre almofadas confortáveis, e a grama macia, como a do Éden, convida a tirar os sapatos, como no filme Uma Linda Mulher, em que a mulher na grama tira os sapatos do homem para fazer este sentir o prazer simples de viver. Temos aqui uma Vênus triunfante, que obteve sucesso na intenção de acabar com as guerras, na promessa da Harmonia que reina nas Cidades Espirituais. No centro do peito, Vênus tem um broche em forma de flor, simbolizando a Beleza da Vida, no modo como é a Criação de Deus e, do mesmo modo, é obra Dele a Evolução de Darwin. Ao fundo, um bosque sombrio, num recurso frequente em Botticelli – o escuro embasando o claro. Ao fundo, ao centro, um bosque com colinas, num reino abençoado, vestido por maravilhosas roupas de vegetação. O diabrete ao centro olha para Vênus, e debocha (e diverte-se) com o sono profundo de Marte. Os corninhos dos diabretes remetem ao sexo, ao desejo orgânico de se reproduzir, do modo como o Adolescente entra em uma fase de libido, como disse Marta Suplicy em uma palestra que assisti em Caxias do Sul: “A Adolescência é uma fase em que se masturbar dez vezes por dia é perfeitamente normal”. E Marte está seminu como Cristo na cruz, mas este não estava inconsciente, bem pelo contrário – sentiu cada pulsar de dor na crucificação. Marte está anestesiado, sem qualquer dor, no prazer do Recruta Zero de dormir, dormir e dormir, assim como o célebre espírito Patrícia, que dormiu por muitos dias após desencarnar – o Pecado Capital da Preguiça se revela nesta obra de Botticelli. Um dos diabretes faz uma melodia sedutora soprando uma concha, a qual, como em O Nascimento de Vênus, simboliza o Mar e o Sexo Feminino, a liquidiscência. Vênus zela por Marte, num quadro de amor e dedicação de um pintor apaixonado por Arte. Outra interpretação é a de que Marte está morto, sem mais respirar, como se tivesse sido abatido em combate, descansando finalmente, com a beleza da Estrela D’Alva triunfando sobre os horrores da Guerra, trazendo Paz.

Cândido, um Brasileiro (Parte 2)

Falo pela segunda vez sobre o pintor brasileiro Cândido Portinari. Os textos e análises semióticas a seguir são inteiramente meus.

Acima, Catequese, 1941. A tentativa da Religião em ordenar o Mundo e fabricar cidadãos com apuro moral, num grande desafio. Este padre já é idoso, tendo que ficar sentado. Os traços de seu rosto são mais definidos do que os traços dos rostos da meninada. Os meninos são todos indistintos, como anônimos tijolos em uma parede. Seria uma crítica de Portinari ou apenas uma opinião inocente? Cada menino está recém começando a vida, e ouvimos o ditado “Cresça e apareça”. Podemos ouvir a voz do padre no silêncio dos alunos que prestam atenção. É a questão do “rebanho”, na empreitada civilizatória do Vaticano, que vê no Brasil um terreno propício para espalhar a Palavra de Deus. Todos os meninos vestem indistintas roupas brancas, ao contrário do sacerdote, que está em um traje marrom escuro, discreto, profundo. Ao lado do padre, um grande vaso vermelho, na cor de Cristo sendo crucificado, no sangue do Salvador escorrendo dolorosamente pela cruz, chegando até o chão, nas mãos de Maria. Bem ao fundo no quadro, uma modesta construção de madeira, ou seja, a Escola, na missão de padres e freiras em anexar Cultura Erudita ao cidadão, civilizando este. A escolinha tem uma discreta cruz no topo do telhado, avisando que se trata de uma instituição onde os valores católicos são transmitidos. Enquanto o padre é grisalho, mostrando assim experiência de vida, os meninos são todos de cabelo negro, mostrando vidas que recém estão começando. A Escola é mais do que um lugar para crianças não ficarem o tempo todo em casa; a Escola é o baluarte da construção de uma nação, e isso não é diferente com o Brasil – é a missão do Vaticano. Enquanto o padre fala, os meninos estão em absoluto silêncio, demonstrando respeito. Na Escola, a indisciplina é punida severamente, punindo o indivíduo que não levar a vida a sério. O vaso vermelho é o vinho tomado na Missa, sempre remetendo à Última Ceia. O vaso é o receptáculo feminino, numa religião que eleva a mulher que gerou o Salvador em meio ao mistério da Imaculada Conceição – o sexo é um problema para a Igreja e não é um problema para a Psicologia. Poucos destes meninos carregam pinceladas vermelhas, da cor do vaso, no interior de um ovo de Páscoa, no mistério da vida, da vida que se gera de modo intocado – somos todos frutos de uma Imaculada Conceição, só que a nível espiritual. Tanto o padre quanto os meninos estão com os pés descalços, mostrando simplicidade e humildade, características essenciais para quem quer ganhar respeito. As freiras educam as meninas e os padres educam os meninos, na eterna ritualização humana em torno de gênero, no ritual matrimonial unindo masculino e feminino, resultando, desta junção, Tao, o caminho uno. Entre todos os meninos, há um mais baixinho do que os demais, como no pequeno Davi, que vence um gigante aparentemente invencível, como a Invencível Armada Espanhola sendo vencida por uma então humilde Inglaterra. O vaso guarda o mistério da Vida, no interior uterino, como no interior lindo de um figo cortado ao meio. E, ao lado desta escolinha no quadro, uma cerca que representa o discernimento, dividindo duas forças opostas que não são inimigas – bem pelo contrário, são amigas; grandes amigas.

Acima, Dom Quixote e Sancho Pança saindo para as suas aventuras, 1956. O Sol protagoniza glorioso aqui, espalhando uma luz dourada pelo quadro, emoldurando a empreitada de Quixote e seu companheiro. A lança fálica de Quixote é tão extensa que escapa ao quadro, num cavaleiro protegido por uma armadura impenetrável, do modo como a Psicologia diz que saber dizer “não” é como vestir uma armadura. Esta armadura reluz lustrosa e altiva, e Quixote monta um inquieto e majestoso cavalo branco, enquanto Pança parece montar um jumento: seria o jumento a “burrice” em Quixote ser tão alucinado e louco? Enquanto o ossudo Quixote é magérrimo e delgado, Pança é bem obeso, como na comédia hollywoodiana de “O Gordo e o Magro”. Quixote é o líder protagonista, sendo seguido por Pança, que se mostra mais discreto, sempre à sombra de seu senhor. Os pés de Quixote são pontiagudos tais quais agulhas, numa passada agressiva, de um homem louco que vê gigantes ao invés de moinhos de vento. Por todo o fundo do quadro, linhas amarelas ondulantes, mostrando o movimento dos ares e da luz solar, dando mais movimento à cena, como num intenso dia de Sol de Verão, do modo como Quixote tem obstinado esclarecimento de que não é louco. A armadura de Quixote é um exoesqueleto de formiga, rechaçando as armas do inimigo. A cena tem movimento, quase como Cinema, e podemos ouvir os passos dos animais troteando, no barulho de ferraduras se impactando com o chão. Pança parece usar um chapéu, enquanto a cabeça deste Quixote é estranhíssima, e fica difícil ver ali um rosto humano. Quixote e a lança formam um ser só, e a arma é uma extensão do corpo do cavaleiro, do modo como o pincel e Portinari formaram um só ser; do modo como o piano se tornou parte de Tom Jobim. Abaixo no quadro, a bela assinatura do artista, tranquilo. As patas dos animais são elegantes e nobres, num Portinari amante da Fauna e da Flora. E a dupla, como diz o título, sai para uma aventura, buscando propósito e motivação na Vida, do modo como Portinari encontrou-se na Arte.

Acima, Futebol, 1935. Portinari traz uma paixão nacional – o Futebol. Meninos pobres jogam em um rústico chão terroso, e não em um gramado apropriado, provavelmente com uma bola de pano. Vemos a mistura racial brasileira, pois há meninos brancos e negros. Uma cabra e um jegue dividem a cena, alheios ao jogo que ocorre. Seria esta uma doce lembrança de infância de Portinari? Um poste de luz tem claro formato de cruz, como se estivesse abençoando a diversão dos meninos, num Portinari religioso, apesar de nunca ter se tornado pintor de Arte Sacra. Os meninos pobres sequer têm dinheiro para jogar com chuteiras, e ralam os pés no chão duro, assim como é dura a vida nas camadas sociais miseráveis, numa denúncia social do pintor, denunciando a Pobreza do Brasil. Bem ao fundo, uma escolinha com a bandeira nacional hasteada, num Portinari patriota, confiante no fato de que o Brasil é o país do Futuro. A aula acabou (ou está em intervalo), e os meninos aproveitam o período de folga. Este chão é bem avermelhado, como se estivessem sangrando os pés descalços miseráveis dos meninos, como se estivesse escorrendo sangue da “cruz” ao fundo. Também ao fundo, um pequeno cemitério da vila, um receptáculo que espera por todos nós, no inevitável Desencarne. Mas este cemitério não é sombrio ou agourento, e integra-se normalmente na cena, na Morte sendo vista como algo natural e normal. Quase ao lado do cemitério vemos uma vaca, que é o princípio materno provedor de leite, ou seja, a Mãe desses meninos todos, provavelmente a mulher que teceu a bola de pano. Na cena, vemos três tocos de árvores cortadas, e isso é a Mortificação, na necessidade do espírito de se desapegar de ilusões e viver uma vida simples, sem vaidades faraônicas. As árvores ceifadas são a inevitabilidade do Progresso, tendo a Natureza que dar lugar à Civilização, num Portinari progressista, honrando os dizeres da Bandeira Nacional. Ao fundo da cena, vemos ainda árvores frondosas, e vemos também plantações de alguma cultura, na fecundidade da Terra Brasileira. Também ao fundo, vemos mais tocos cortados, servindo como delimitações, cercas, num Portinari se delimitando a retratar uma cena determinada. O céu da cena é claro e azul, belo, num dia de Sol sobre o território nacional, como no azul da Bandeira. É um retrato doce de um Brasil como uma nação prestes a ingressar na II Guerra Mundial, tirando a vida e a diversão destes inocentes meninos, transformando estes em soldados que vão ao encontro da Morte, pois, como eu já disse, lá está o cemitério.

Acima, Índia e Mulata, 1934. Mais uma vez, a peculiar Miscigenação Brasileira, diferente dos EUA, nos quais, em geral, negro casa com negro e branco casa com branco. Novamente vemos uma árvore ceifada, morta, sacrificada. A índia, de vestido rosa, repousa a mão sobre o ombro da mulata, como uma irmã consolando outra irmã, como comadres, na junção brasileira de sangue de raças e etnias diversas. Seriam elas quem cortou a árvore? Troncos cortados repousam ao chão, numa cor metálica, como algum produto industrial, em um Brasil tão vasto ecologicamente. Há um vínculo sanguíneo entre as mulheres aqui, e parece sangue escorrendo um fio vermelho ao fundo na colina, uma estradinha que “escorre” do topo e vai de encontro ao chão, como o princípio passivo sedutor de Tao, como na Lei da Gravidade, onde tudo se rende à força dos lugares mais inferiores. A colina ao fundo está completamente aproveitada em Agricultura, e o vale ao chão também é fértil e produtivo. Um caudaloso rio banha a cena, no curso natural da Vida. Uma pedra saliente revela-se sobre a água, num Portinari que se sobressai como mestre pintor. É como uma pontinha de iceberg, revelando, abaixo do nível d’água, toda uma base sedimentar, trazendo firmeza e certeza. O Céu ao fundo é majestoso, com nuvens pomposas, na promessa do Reino dos Céus feita por Jesus Cristo. As mulheres aqui estão cansadas e desanimadas, talvez depois de um dia de labor tão ardente. A mão da índia aprece estar calejada, marcada pelo labor ardido, suado e esforçado, num Portinari incansável e produtivo, concentrado. O chão aos pés das mulheres é bem escuro, imprevisível e misterioso, guardando segredos, no sentido de que a Divina Providência nunca revela algo que até o momento não pode ser revelado. A mulata tem pés grandes e descomunais, no termo “pés no chão”, ou seja, realista, forte, embasada, enraizada, ao contrário da árvore cortada, que foi assassinada. A pele das mulheres entra em harmonia cromática com o chão, num Portinari atento à magia das cores. A casinha ao topo da colina é o Lar, como numa favela, colocando os pobres em regiões do Rio de Janeiro, regiões estas desvalorizadas imobiliariamente. Vemos aqui o Brasil do Trabalho, da Produtividade, com terras cultivadas laboriosamente. E as nuvens ao fundo são os sonhos de um artista, sempre em busca da autoexpressão. O rio segue pacato em seu curso, e podemos ouvir o delicioso som das águas correndo, convidando-nos a relaxar depois de um dia tão duro.

Acima, Flautista, 1934. Numa metalinguagem – artista falando de artista, de modo como um artista não só faz Arte como também aprecia a Arte de outrem, numa simbiose, numa cadeia de artista inspirando artista, num furacão inspiracional. O músico aqui é negro, e toca despretensiosamente, sem se preocupar com a vida; sem pedir qualquer dinheiro por tocar o instrumento. A flauta sob a regência do negro é a riqueza da Música Popular Brasileira, da cultura popular do Brasil, nas raízes africanas do samba e de tantos outros gêneros cariocas, como o funk, que veio dos morros e estabeleceu-se. Esta vila é um lugar simples e acolhedor, sem luxos nem pretensões elitistas ou aristocráticas. É um lugar simples, um lar que acolhe, que reconforta com suas formas simples e limpas, elegantes, do modo como a vida simples é mais leve de se levar. Seus sapatos brancos são elegantes, limpos, galantes, e suas vestes são também simples, sem pretensões de brasões principescos. A pequena e singela flor é a vida, delicada, pequena, cercada por folhas que simbolizam toda a riqueza da Flora Brasileira. A flor faz metáfora com a mulher formosa ao fundo, na beleza da Mulher Brasileira. Esta mulher está com uma elegante saia, e o chão terroso do morro é a fertilidade da mente de Portinari, um apaixonado pelo Brasil, encontrando neste inspiração infindável, numa verdadeira declaração de amor ao Brasil, tornando-se um embaixador da nação. Os sapatos do homem estão impecavelmente limpos, sem parecer que caminham por um chão terroso, não pavimentado. As casas deste morro são toda similares, no charme das favelas cariocas, incrustadas nos morros, tendo uma vista incomparável à Natureza do Rio de Janeiro, no encanto do personagem Zé Carioca, de Disney, numa identidade brasileira, única. A mulher está encantada com o flautista, e sorri suavemente. O flautista a seduz, e o quadro todo é sedutor também. Ao fundo, o Céu, o Mar e os Morros do Rio, num lugar que, neste quadro, é tão desprovido de problemas como narcotráfico e violência urbana. Portinari, assim como Tom Jobim, acredita num Brasil melhor, mais nobre, mais elegante. O músico cruza elegantemente as pernas, demonstrando polidez e classe, como se fosse um autêntico herdeiro de príncipes africanos. Nesta vila, portas e janelas se abrem para o Mundo, dando respiro, ventilação, circulação de ideias e pensamentos, do modo como um artista tem que se sentir livre para criar. Então, podemos claramente ouvir a música, a melodia, na riqueza da MPB, num Brasil respeitado ao redor do Mundo. O flautista não usa meias, pois está no calor tropical carioca. A florzinha é uma nesga de esperança, sonhando com um Brasil menos pobre, e a flor é a promessa de que, um dia, todo aquele chão terroso estará coberto de flores, num Brasil rico e próspero, sem tanta miséria. Temos a simplicidade de um Portinari cansado dos excessos da Elite Brasileira. Portinari mergulha em uma nova Arte, inovadora, implacável, inevitável. São os ventos de novos tempos. O flautista é o próprio Portinari, fazendo Arte despreocupadamente, nunca almejando glórias nababescas e, por isso mesmo, tornando-se grande. A Vida é de quem não tem expectativas. Enquanto redijo este texto, eu como castanhas de caju, que simbolizam a riqueza gastronômica brasileira e, assim, simbolizam o Brasil em si, promissor. O flautista é Jobim encantado com a Garota de Ipanema.

Cândido, um Brasileiro

O brasileiro Cândido Portinari nasceu e cresceu em um ambiente rural, algo que influenciou decididamente em sua obra. Foi absolutamente produtivo em sua vida artística, tornando-se sinônimo de Arte e talento. Há na ONU, em Nova York, o gigantesco painel “Guerra e Paz” de Portinari, um trabalho que passou por recente restauração, pois as décadas e décadas de Sol cobraram seu preço, e hoje, depois do restauro, os vidros ao lado do painel foram substituídos por vidros que filtram a luz solar, preservando a célebre peça. Os textos e análises semióticas a seguir são inteiramente meus.

Acima, A Descoberta da Terra, 1941. Ao fundo, vistosas caravelas, ao lado de um morro que parece ser o Pão de Açúcar, no Rio. As águas aqui são inconstantes, impiedosas, revoltosas, longe de ser um paraíso, e os homens lutam para dar estabilidade à embarcação. Eles se dependuram por cordas e fazem força para guiar o veículo, remontando a uma época em que as tecnologias eram precárias, possuindo poucos guias, como a Bússola e as Estrelas. O título deste quadro faz então menção à descoberta das Américas e, consequentemente, do Brasil. As naus portuguesas dão um recado a possíveis rivais nos Mares, numa Portugal que, na época, era temida e poderosa na Europa. Há um choque entre europeus e índios, sendo estes últimos dizimados e destituídos da própria terra. A nau está inquieta e instável, e os homens corpulentos tentam domar como um toureiro doma o touro – são as forças da Natureza, da Dimensão Material, diferente da placidez da Dimensão Metafísica, onde reina a Paz. A vicissitude faz com que o ser humano cresça, e uma vida sem dificuldades não tem sentido, pois, sem obstáculos, não há crescimento – só estagnação, como disse-me uma amiga psicóloga: “As crises são positivas”. Neste quadro, há um retrato de crise, e as dificuldades são gritantes, no ardor do trabalho esforçado. Dentro desta nau, vemos uma imagem que parece se homens trabalhando em uma lavoura, curvados, suando, trabalhando, arando o solo e colhendo, como recompensa, o fruto da terra, obtido de forma tão esforçada. Os homens dependurados estão em contraste quase barroco, entre claro e escuro, no contraste entre Yin e Yang, nas forças opostas que regem o Universo, na dança eterna da Criação – o artista quer ser como Tao; quer criar e se expressar, pois, já ouvi, Arte é um ser humano querendo se expressar. Há formas assemelhadas a ovos vermelhos, que são a fertilidade da mente artística, na magia do ovo de Páscoa, sendo aberto e revelando o tesouro da vida dentro, no mistério da Criação. Arte é um ovo sendo aberto e visto, no fetiche do voyeur, de olhar o que há dentro, o que há escondido, no prazer da violação, das desvirginação. Há também formas que parecem ser vasos de barro, no barro indistinto da mão do artista, e este cria do nada, fazendo de algo, de algum material, algo novo, do modo como Deus fez Adão do pó – é o mistério criacional. As cordas aqui têm forma de serpentes revoltosas e sensuais, hipnotizando os homens e seduzindo-os aos encantos da feminilidade, do princípio belo e gracioso da Vida – é um jogo de sedução. Ao fundo da nau, figuras de homens rabiscados, parecendo abanar para as naus ao fundo, no processo de comunicação entre seres humanos, do modo como o artista “conversa” com o espectador – gente falando com gente; mente atingindo mente. Nada mais humano do que a Arte. Os homens tentam domar essas “cobras”, na empreitada viril de desvirginar terras selvagens e virgens, cheias de “selvagens incivilizados”, exercendo fascínio na Europa, com muitos europeus narrando os hábitos de canibalismo dos indígenas. As naus são o “Clube do Bolinha”, e mulheres não têm vez no ato agressivo civilizatório, no mergulho da Europa nas Américas, na agressividade (e até na violência) do europeu civilizador. Este quadro balança, num ritmo que só uma grande mente artística pode prover, como na Dança, na Música ou no Cinema, pois, já me disse uma artista, as Artes estão uma dentro da outra, na universalidade da Mente Humana.

Acima, Meio Ambiente, 1934. Todo o amor de Portinari pelo Brasil, principalmente pelo Rio de Janeiro. Amor pela diversidade, pela riqueza natural brasileira. Um rico cacho de bananas está maduro e delicioso, pronto para ser devorado, como numa Carmen Miranda que, em Hollywood, é apresentada ao público como a diva de um país selvagem e belo chamado Brasil, cheio de bananais. Um símio insinua-se para comer uma banana, na riqueza da gastronomia brasileira, uma gastronomia que é fruto da Cultura Popular. Exuberantes folhagens tomam papel na cena, num Darwin fascinado pela Fauna e Flora dos Trópicos. Flores estranhas e exóticas também surgem, hipnotizando o ser humano que não vive nos Trópicos – o Brasil é sedutor, num Portinari que queria ser uma espécie de embaixador do Brasil, divulgando imagem, como dizia o diretor Fábio Barreto: “O Brasil tem que exportar mais imagem, e não apenas importar imagem”. Uma arara colorida repousa em um tronco forte de árvore, do modo como a Arte se tornou o baluarte da vida de Portinari, num tronco duro pelo qual a preciosa seiva artística transita, na vida pulsante por veias de pensamento – Portinari mistura-se com o seu próprio Brasil. Ao fundo, uma doce praia de areias brancas, plácidas, limpas e puras, muito longe da realidade da falta de modos do brasileiro na beira da praia, numa atriz Patrícia Pillar que foi fotografada na praia do Rio catando do chão o lixo que os praianos pouco educados jogam na areia. Pillar e Portinari acreditam num Brasil melhor, muito melhor. E o tronco da árvore é o pilar da Natureza, da riqueza biológica. Mais ao fundo, deliciosas ondas, como nas gravuras em pedra portuguesa no calçadão carioca, no doce balanço das ondas do Mar de Tom Jobim: como o Brasil é rico em artistas! Bem ao fundo, os exuberantes morros cariocas, nas pernas torneadas de Maria do Socorro, caminhando pelas ladeiras do Morro. Os morros erguem-se imponentes, e já ouvi uma portuguesa dizer: “Tudo no Brasil é grande!”. E, finalmente, céus ensolarados, banhando de luz a Cidade Maravilhosa, tendo um amigo já me dito que, quem é muito branco e vai morar no Rio, a pele dessas pessoas fica “curtida” pelo Sol, nos corpos bronzeados dos cariocas. E como há flores nesta cena! De vários aspectos, cores e formas. E na bananeira surge o coração da bananeira, no coração amoroso de um Portinari, um artista que pulsou junto com o Brasil, na fartura da Culinária Brasileira. Este sagui é furtivo, esperto, sendo “primo” dos furtivos esquilos do Central Park. Estas flores são o florescimento de uma nova era na Arte, num Portinari vanguardista, abraçando os novos tempos de então. Portinari consagrou-se, sendo tido como sinônimo de status, como na novela O Dono do Mundo, da Globo, na qual o personagem cínico de Antônio Fagundes adquiria obras de Portinari não pela Arte em si, mas pelo elevado preço das pinturas. Aqui, vemos uma cena rica em camadas, e podemos observar o que está perto e o que está longe. E a areia parece ser de puro açúcar, num Portinari doce e poético. Esta areia é repleta de flores e plantas, no milagre da Vida. Na cena, vemos também alguns cactos, com seus espinhos agressivos, num Portinari que sabia que o Mundo da Arte é concorrido e que, todos os dias, inúmeros artistas querem se destacar e se tornar célebres. E este céu azulado é um tanto renascentista, como dizem que é extremamente límpido o céu das colônias espirituais. Portinari é um sonhador, e sonhou com um Brasil melhor, sem tanta corrupção, sem tanta sujeira, como no manifesto do último carnaval do Rio: a Arte não pode se alienar, sendo a Censura um golpe muito forte na cara de qualquer artista. Arte é expressão. E Portinari foi um agente da Identidade Brasileira.

Acima, Namorados, 1940. Dois vultos negros se abraçam à luz da Lua e de estrelas – o romântico Portinari acredita no Amor. Não há alguém além do casal, com duas pessoas completamente a sós, como num aviso em uma porta de quarto de hotel: “Não perturbe”. O céu atrás é transitório, combinando dia com noite, e não sabemos se está anoitecendo ou amanhecendo, em como o tempo voa quando se está amando. Mais acima, o céu tem um elegante tom de azul marinho profundo, e nuvens ondulantes são a sensualidade dos enamorados, que se abraçam e se beijam até formar um só ser. Love is beautiful. É um casal heterossexual: a mulher usa na cabeça um laço avermelhado, como em Chapeuzinho Vermelho, na cor da feminilidade; o homem usa um chapéu de tom claro. O casal são as partes do artistas se unificando, sendo uno, sem vida dupla. O Amor aqui une opostos e resolve conflitos, trazendo Paz e unificação. Do lado direito, vemos uma caixa que parece ser de correio, do modo como os namorados trocam cartas de Amor. Parece também uma caixa de pão, do modo como um relacionamento feliz alimenta a alma e o corpo. É uma caixa misteriosa, e não sabemos o que há dentro – é o mistério do Amor, força que rege o Universo. Acima da caixa, vemos arbustos enfilerados, como vinhedos, na sensualidade do vinho e de Baco, na sedução entre amantes. O terreno atrás é de um amarelo arenoso, desértico, e os dois amantes estão absolutamente a sós, desligados do mundo ao redor, concentrados no puro e simples namoro. É como se os amantes estivessem fugindo do Mundo lá fora, do modo como um artista se refugia em seu próprio trabalho, produzindo a sós, concentrado, desligando-se temporariamente da “loucura” do mundo lá fora. Vemos rochedos sólidos, na solidez do talento de um artista tão reconhecido como Portinari. É a firmeza da afirmação, num artista provando ter talento. Aos pés dos namorados, uma poça negra, imprevisível. O que acontecerá com o casal? Será que a chama desta paixão durará para sempre? Mas os namorados não se importam com essas dúvidas, pois sabem que o relacionamento será eterno, mesmo que não dure para sempre: o que importa é a qualidade do tempo compartilhado, e não a quantidade. O deserto tem um apelo sensual, no vazio, como numa orla vazia, esperando para ser preenchida pela Vida.

Acima, O Lavrador de Café, 1939. Toda a paixão de Portinari pela terra e pelas fazendas; pela cena rural. Vemos um toco de árvore cortada, tolhida, ceifada, no inevitável fato de que um dia o artista morrerá, com a Morte esperando pelo inevitável momento do desencarne – cada um tem que decidir o que fazer com o tempo que lhe é dado. O trabalhador é um Portinari laborioso, focado, concentrado, sempre produzindo, trabalhando. Cândido mostra a miscigenação brasileira, única no Mundo, com um rapaz que tem sangue misturado de negro, com mãos e pés fortes e descomunais, fortes para dar conta do trabalho pesado na lavoura. A cena é um cafezal, na riqueza brasileira, num artista rico em talento produtivo. A enxada é o instrumento essencial, como o pincel o foi para Portinari. O rapaz veste roupas simples e confortáveis, própria para o labor rural. Ele está de perfil, olhando para tudo o que fez e para tudo o que tem ainda por fazer, num trabalho incessante, incansável, apaixonado, apesar de desgastante, como se formou o culto ao trabalho na região gaúcha de Imigração Italiana. O cabo fálico da enxada é a agressividade do senhor das terras, senhor dos cafezais, em um Brasil que ainda vive ecos da Escravatura, num contexto social em que ser preto é sinônimo de ser pobre, de ser socialmente desavantajado. Aos pés do rapaz, um monte de terra, talvez um monte feito pelo próprio trabalhador, ou pode ser um formigueiro, silencioso em seu interior de formigas em constante labor, dia e noite. A calça branca é a paz de um atelier produtivo, no silêncio do dia a dia de labor, numa rotina deliciosa, sempre construtiva, dinâmica. A cor rósea da terra combina com a camiseta, na cor sensual da carne, do terreno fértil, reprodutor, da Mãe Terra provedora. Os céus têm “nuvens de algodão”, plácidas, convidando para uma plácida soneca bem no meio da tarde de trabalho, num canto sedutor de descanso, de um doce Pecado Capital da Preguiça. E o toco de árvore cortado segue mostrando o seu interior róseo, outrora repleto de seiva e vida. O rapaz corpulento tem a força necessária para trabalhar a terra. Seus pés descalços revelam simplicidade; revelam falta de vaidades fúteis ou auspiciosas. O rapaz e sua enxada são o centro deste quadro, na paixão de Portinari pela força e beleza do trabalhador brasileiro. E os cafezais revelam-se muito vastos, até onde a vista alcançar, no poder de um Brasil rico por causa do Café. O Universo é vasto, muito vasto, ao ponto do Ser Humano não ter como o apreender: há mais estrelas no Universo do que grãos de areia de todas as praias da Terra juntas. Oh, My God. Tao é o infinito.

Acima, Os Retirantes, 1944. Aqui, temos um Portinari crítico social, numa face política do artista, como no último desfile da Beija-Flor no Carnaval do Rio, numa crítica ao Governo Brasileiro. Aqui, temos representada toda a miséria do Mundo (e do Brasil). Esta família paupérrima tem feições distorcidas, fantasmagóricas, infelizes, miseráveis. São magérrimos, ossudos, esfomeados, tristes. O terreno na cena é árido, desolado, sem vegetação, sem água, sem cor, só deserto e pedras áridas atiradas ao chão. Esta família sequer tem sapatos. Uma das crianças demonstra ter verminose, tal o inchaço da barriga. Temos um Portinari indignado com os abismos sociais brasileiros. No céu, agourentos urubus negros, pessimistas, sombrios, fantasmagóricos, amaldiçoando quem passar por terras tão infelizes como esta. As cores neste quadro puxam pelo cinzento, na cor das cinzas, simbolizando a finitude, a Morte, a condenação a uma encarnação dolorida, ardida, desprivilegiada, pobre. Portinari não é alienado – bem pelo contrário. Como brasileiro, Cândido conhece de perto o próprio país, amando-o e criticando-o ao mesmo tempo. Neste céu sombrio e maldito, uma Lua Nova pálida, apagada, fraca, sem força para brilhar, abatida, doente. Ao fundo na paisagem, vemos montanhas desoladas e duras – é a dureza de uma vida tão miserável. Podemos ouvir o barulho de um vento castigante, gelado, açoitando quem estiver por perto. Esta família simplesmente não tem para onde ir. As numerosas aves negras voando condenam estes seres humanos, esperando para que essas pessoas morram e sirvam de carniça alimentar. Podemos ouvir os passos ofegantes destas pessoas, num Brasil sem planejamento familiar. Um velho patriarca segura uma longa vara, tentando guiar seu povo, batalhando para poder vislumbrar um amanhã melhor, menos sofrido. Portinari não tem medo da feiúra da realidade, e faz questão de mostrar os problemas do Mundo. Todos nesta cena estão calados, sem comentários sobre a própria situação de padecimento. Ao centro do quadro, a mãe carrega sobre a cabeça uma trouxa de roupas, os únicos bens de uma família que não tem casa. São semimendigos, tendo só praticamente a roupa do corpo. As pedras cortantes no chão castigam os pés cansados, e há várias crianças na cena, pessoas que nasceram sem saber o que é ser minimamente abastado financeiramente. A Sociedade de Consumo despreza esta família pobre, pois esta mesma sociedade só interpela o indivíduo que tem dinheiro. Esta família está bem em cima da margem, faltando pouco para que virem moradores de rua. Mais acima no quadro, o céu está completamente mergulhado nas sombras, sem beleza, sem céu azul, sem Sol. Seus estômagos estão vazios, carentes. E, no chão, só há ossos de animais, animais estes há muito vencidos pela dureza de uma vida assim tão rica em provação, em privação.